sagrado momento é compartilhar com você leitor de uma forma inteligível alguns conceitos e exercícios praticados no xamanismo, não vamos nos ater a esta ou aquela cultura pois a prática do xamanismo é muito semelhante em todas elas, o que, aparentemente, as tornam diferentes aos nossos olhos, ou melhor, à nossa percepção, é a linguagem veiculada por cada uma delas que depende do tempo e espaço em que foram desenvolvidas, existe isto sim uma unidade em toda esta diversidade cultural e é nesta unidade onde vamos focar neste momento a nossa atenção. A prática xamanica resulta de uma experiência contínua através da tentativa e erro de milhares de anos, pois o homem das culturas ancestrais pré- tecnológicas não possuía os recursos científicos que hoje nós dispomos e se via obrigado a entrar em um estado alterado de consciência, ou melhor no dizer de Michael Harner, um estado xamanico de consciência. Este era um recurso que dependia de um desenvolvimento interno muito grande onde o xamã acessava o mundo sutil e entrava em contato com os devas, elementais e com os espíritos parentais da tribo para auxiliar os seus semelhantes na busca de ervas medicinais que escolhia com precisão cirúrgica(muitas espécies são semelhantes, mas possuem efeitos diferentes e podem inclusive matar) para cura de seus males, ou na viagem interior onde iria buscar os fragmentos experiências do momento em que o doente perdeu o contato com o seu poder pessoal e manifestou, a partir disso, o que conhecemos no xamanismo por perda da alma, que é uma enfermidade espiritual que causa doença física e emocional, para isto foram desenvolvidas várias abordagens que permitiam ao xamã diagnosticar e curar os males que afligiam o seu povo. Estas práticas se mostraram muito semelhantes em todas as culturas, que embora estivessem a milhares de quilômetros distantes umas das outras e separadas por continentes e oceanos guardavam entre si uma unidade perceptiva fantástica que era fundamentada em verdades irrefutáveis e estritamente práticas. Nós agora iremos estudar algumas delas, vamos lá.Muitos já devem ter ouvido falar nos animais de poder, nos espíritos auxiliares, nas plantas mágicas, nos elementais, nas pedras sagradas, e podem ter ficado muito curiosos em relação a estes assuntos, que realmente fascinam as crianças de Deus, pois como nos disse Jesus com uma lucidez ininteligível a percepção do ego," Deixai virem a mim as criancinhas, pois delas é o reino dos céus"."Quem não receber o Reino de Deus como uma criançanele não entrará".Vamos então permitir que a nossa criança divina, não condicionada pelas experiências do mundo ego construído em que vivemos, manifeste novamente a alegria e a perseverança em nossa caminhada na sagrada mãe terra, para podermos retomar o contato com o sagrado de todos os tempos.Milênios antes do aparecimento de Charles Darwin os povos ancestrais de cultura xamânica tinham a certeza de que os homens e os animais eram aparentados, existe até mesmo uma referência muito interessante sobre esse assunto que li não me lembro onde, diz assim: "A alma dorme na pedra, sonha no vegetal, agita-se no animal e toma consciência no homem". Nós, na prática do xamanismo entramos em contato com estes animais que não são os animais físicos que habitam o nosso planeta, mas sim forças espirituais das quais os mesmos procedem e representam, então quando entramos em contato com o urso por exemplo, nós contatamos com toda a espécie que ele representa, no ocultismo isto é conhecido como alma-grupo, ou seja nós entramos em contato com um ser que representa toda uma espécie e que possuí poderes e qualidades que nos ajudam de uma maneira muito significativa em nosso trabalho de auxílio para aqueles que esqueceram quem realmente são. Isto que acabamos de falar se aplica também às plantas e às pedras que possuem também a sua alma grupo, qualidades e poderes que são características pertinentes a cada espécie que elas representam. Para esclarecer este assunto a você leitor vou compartilhar uma experiência que tive com uma planta.Estava atendendo uma pessoa que vinha sofrendo de um problema muito sério de obsessão espiritual, era um momento muito difícil do trabalho, quando escutei de uma forma muito clara uma vós doce e suave que me pedia para ir até a porta de entrada do meu espaço, ao abrir a porta senti uma vibração percorrendo todo o meu corpo, foi quando ouvi a mesma vós de novo, mas, desta vês era como se ela viesse da arruda que estava plantada logo na entrada da loja, ao me aproximar da arruda a vós me disse para pegar uma folhinha da mesma e aí, foi como se eu tivesse sido transportado para um mundo mágico, fantástico e uma vós muito poderosa me disse com uma certeza tão sólida como uma montanha (foi assim que eu senti), Eu não sou só esta arruda aqui, eu sou todas as arrudas que existem, nós pertencemos a uma alma grupo e unidas somos uma força que podes agora compartilhar com os teus semelhantes, naquele momento eu pude compreender através de uma experiência direta, aquilo que eu não compreendia através da teoria, e aquela energia captada da irmã arruda entrou direto no plexo solar do meu cliente limpando e fortificando a sua essência, o seu espírito, auxiliando os amparadores invisíveis que lá estavam, permitindo assim que ambos, obsessor e obsedado, rompessem os elos emocionais com que estavam vinculados e reorganizassem as suas idéias. O ambiente que antes estava denso se tornou leve e os mentores que coordenavam o trabalho auxiliaram o ser e o levaram para um hospital próximo à crosta para posteriores atendimentos, era chegado o momento de liberdade para ambos. Houve nesta experiência que eu acabei de narrar uma soma muito grande de fatores que conspiraram para o reequilibro de ambos, pois não é tão fácil como parece, mas o que vimos foi um trabalho conjunto onde a força da alma grupo da arruda que é um ser vivo e possuí inteligência(leiam a vida secreta das plantas), auxiliou na limpeza dos miasmas, larvas astrais e das formas pensamento não qualificadas veiculadas por ambos, eu só agi como um facilitador ou melhor um canal para que a cura ocorresse, pois na realidade toda cura é uma auto- cura e para resumir isto repito uma frase de Albert Schweitzer :" O feiticeiro tem êxito pela mesma razão que todos nós(médicos) temos êxito. Cada paciente leva o seu próprio médico dentro de si. Esse paciente nos procura sem saber dessa verdade. E o melhor que nós podemos fazer é dar ao médico que reside dentro de cada paciente a chance de trabalhar." " Que os quatro ventos sagrados abençoem a todos"
segunda-feira, 30 de março de 2009
O Sagrado Feminino: a Tenda da Lua
O Sagrado Feminino: a Tenda da Lua"Tradicionalmente, em tempos remotos, a Moonlodge (Tenda da Lua) era o local onde as mulheres se reuniam, durante a sua fase menstrual, para estarem em unicidade umas com as outras e com as mudanças que ocorriam no seu corpo.
Durante esses dias, elas retiravam-se dos seus deveres familiares e sociais para irem para a tenda com as suas irmãs, onde se libertavam da velha energia e preparavam a reconexão com a fertilidade da Mãe Terra durante a Lua seguinte.
Na sociedade actual, assiste-se cada vez mais a uma castração deste aspecto feminino e as mulheres têm necessidade de encontrar tempo na loucura do quotidiano para se reencontrarem a elas próprias na sua condição.
Os Saberes da Terra promovem um workshop onde as mulheres se podem reconectar com o poder e energia da sua fertilidade e com a sua condição de geradoras e "nutridoras" de vida, através de rituais de inspiração, viagens xamânicas e uma intensa cerimónia da Cabana do Suor.
Código de Ética dos Índios Norte-Americanos
1. Levante com o Sol para orar. Ore sozinho. Ore com freqüência. O Grande Espírito o escutará se você, ao menos, falar. 2. Seja tolerante com aqueles que estão perdidos no caminho. A ignorância, o convencimento, a raiva, o ciúme e a avareza, originam-se de uma alma perdida.Ore para que eles encontrem o caminho do Grande Espírito. 3. Procure conhecer-se, por si próprio. Não permita que outros façam seu caminho por você. É sua estrada, e somente sua. Outros podem andar ao seu lado, mas ninguém pode andar por você. 4. Trate os convidados em seu lar com muita consideração. Sirva-os o melhor alimento, a melhor cama e trate-os com respeito e honra. 5. Não tome o que não é seu. Seja de uma pessoa, da comunidade, da natureza, ou da cultura. Se não foi ganhado nem foi dado, não é seu. 6. Respeite todas as coisas que foram colocadas sobre a Terra. Sejam elas pessoas, plantas ou animais. 7. Respeite os pensamentos, desejos e palavras das pessoas. Nunca interrompa os outros nem ridicularize, nem O trabalho de um Consultor Xamânicorudemente os imite. Permita a cada pessoa o direito da expressão pessoal. 8. Nunca fale dos outros de uma maneira má. A energia negativa que você colocar para fora no universo, voltará multiplicada a você. 9. Todas as pessoas cometem erros. E todos os erros podem ser perdoados. 10. Pensamentos maus causam doenças da mente, do corpo e do espírito. Pratique o otimismo. 11. A natureza não é para nós, ela é uma parte de nós. Toda a natureza faz parte da nossa família Terrena. 12. As crianças são as sementes do nosso futuro. Plante amor nos seus corações e ágüe com sabedoria e lições da vida. Quando forem crescidos, de-lhes espaço para que cresçam. 13. Evite machucar os corações das pessoas. O veneno da dor causada a outros, retornará a você. 14. Seja sincero e verdadeiro em todas as situações. A honestidade é o grande teste para a nossa herança do universo. 15. Mantenha-se equilibrado. Seu Mental, seu Espiritual, seu Emocional, e seu Físico, todos necessitam ser fortes, puros e saudáveis. Trabalhe o seu Físico para fortalecer o seu Mental. Enriqueça o seu Espiritual para curar o seu Emocional. 16. Tome decisões conscientes de como você será e como reagirá. Seja responsável por suas próprias ações. 17. Respeite a privacidade e o espaço pessoal dos outros. Não toque as propriedades pessoais de outras pessoas, especialmente objetos religiosos e sagrados. Isto é proibido. 18. Comece sendo verdadeiro consigo mesmo. Se você não puder nutrir e ajudar a si mesmo, você não poderá nutrir e ajudar os outros. 19. Respeite outras crenças religiosas. Não force suas crenças sobre os outros. 20. Compartilhe sua boa fortuna com os outros. Participe com caridade. "
A consulta xamânica segundo Michael Harner (registada como “The Harner Method of Shamanic Counseling®”, HMSC) é um dos princípios do método xamânico clássico de desenvolvimento espiritual e assistência de vida.Este não é utilizado na psicologia ocidental, cujos métodos, para além de serem relativamente recentes, se revelam igualmente inapropriados no tratamento de doenças mentais profundas. O desenvolvimento xamânico de milhares de anos está orientado para esse fim. A experiência da realidade não comum (RNC), a viagem xamânica e a adivinhação xamânica são as bases indispensáveis para este trabalho. O cliente vai sendo iniciado, passo a passo, na RNC e na arte das viagens xamânicas, aprendendo a desenvolver as suas capacidades espirituais a fim de adquirir experiência na RNC e de confiar nas suas experiências. O objectivo prático consiste em colocar perguntas – para questões existenciais – e aprender a compreender as respostas recebidas. Praticando esta técnica particular, enraizada na sabedoria espiritual ancestral, aprende-se sistematicamente a tornar acessíveis estas fontes para si próprio e para os outros. É importante a consciencialização de que as verdadeiras autoridades se encontram na realidade não comum, o Consultor xamânico é somente um facilitador e guia na realidade comum (RC). Ele ajuda o cliente a aprender o método e aconselha na sua aplicação, mas não tem autoridade relativamente às respostas. À metodologia xamânica tradicional, Harner adicionou algumas inovações próprias. A mais importante é a utilização do som do tambor gravado em cassete ou CD, ouvido através de auscultadores. Isto possibilita ao cliente atingir a consciência xamânica da RNC sem perturbar o ambiente que o rodeia. A segunda inovação é a narração simultânea da sua viagem para uma outra gravação em cassete. À medida que o cliente fala em voz alta, muitas impressões tornam-se mais claras; as visões tornam-se mais “lúcidas”. Para além disso, a sequência total da viagem é claramente documentada, certificando a pessoa de que nada de substancial foi esquecido. O cliente pode ouvir as suas gravações em qualquer altura, bem como recapitular viagens que tenha feito há já muito tempo. A confiança no método e nas próprias capa-cidades espirituais crescerão. Este tipo de consulta xamânica pode ajudar significativamente o processo de crescimento pessoal, obtendo resultados muito mais rápidos do que outros métodos. Com este moderno método xamânico é possível trabalhar independentemente de certo sítios e lugares.
A consulta xamânica segundo Michael Harner (registada como “The Harner Method of Shamanic Counseling®”, HMSC) é um dos princípios do método xamânico clássico de desenvolvimento espiritual e assistência de vida.Este não é utilizado na psicologia ocidental, cujos métodos, para além de serem relativamente recentes, se revelam igualmente inapropriados no tratamento de doenças mentais profundas. O desenvolvimento xamânico de milhares de anos está orientado para esse fim. A experiência da realidade não comum (RNC), a viagem xamânica e a adivinhação xamânica são as bases indispensáveis para este trabalho. O cliente vai sendo iniciado, passo a passo, na RNC e na arte das viagens xamânicas, aprendendo a desenvolver as suas capacidades espirituais a fim de adquirir experiência na RNC e de confiar nas suas experiências. O objectivo prático consiste em colocar perguntas – para questões existenciais – e aprender a compreender as respostas recebidas. Praticando esta técnica particular, enraizada na sabedoria espiritual ancestral, aprende-se sistematicamente a tornar acessíveis estas fontes para si próprio e para os outros. É importante a consciencialização de que as verdadeiras autoridades se encontram na realidade não comum, o Consultor xamânico é somente um facilitador e guia na realidade comum (RC). Ele ajuda o cliente a aprender o método e aconselha na sua aplicação, mas não tem autoridade relativamente às respostas. À metodologia xamânica tradicional, Harner adicionou algumas inovações próprias. A mais importante é a utilização do som do tambor gravado em cassete ou CD, ouvido através de auscultadores. Isto possibilita ao cliente atingir a consciência xamânica da RNC sem perturbar o ambiente que o rodeia. A segunda inovação é a narração simultânea da sua viagem para uma outra gravação em cassete. À medida que o cliente fala em voz alta, muitas impressões tornam-se mais claras; as visões tornam-se mais “lúcidas”. Para além disso, a sequência total da viagem é claramente documentada, certificando a pessoa de que nada de substancial foi esquecido. O cliente pode ouvir as suas gravações em qualquer altura, bem como recapitular viagens que tenha feito há já muito tempo. A confiança no método e nas próprias capa-cidades espirituais crescerão. Este tipo de consulta xamânica pode ajudar significativamente o processo de crescimento pessoal, obtendo resultados muito mais rápidos do que outros métodos. Com este moderno método xamânico é possível trabalhar independentemente de certo sítios e lugares.
sábado, 21 de março de 2009
quinta-feira, 19 de março de 2009
Cantaria
Para que uma pedra seja trabalhada é preciso experiência, sabedoria, ferramentas e muita força de vontade. Todas as rochas são possíveis de serem trabalhadas, desde o diamante até a pedra sabão, o que muda de uma pedra para outra é a sua dureza e a ferramenta que desbasta este material.
A Cantaria (nome da profissão) dizem ser a arte de fabricar um canto vivo. Ou também o canto das pedras (som da ferramenta quando bate na pedra) quando são trabalhadas na pedreira,
Esculpir ou trabalhar as pedras é, certamente, a mais antiga atividade de engenho do ser humano, e a utilização da rocha como elemento construtivo tem sua origem numa mudança social na pré-história. Provavelmente, quando o homem deixa de ser nômade, abandonando as cavernas e dando origem a uma organização social definida e com abrigos mais sólidos.
A técnica de cantaria consiste em lavrar a rocha em formas geométricas ou figurativas para aplicação em construções, com finalidade ornamental e/ou estrutural. As construções mais antigas, com as limitações técnicas e ferramentas escassas, eram caracterizadas por estruturas irregulares em pedras soltas e de tamanhos desiguais, compondo uma arquitetura bastante rudimentar.
A civilização egípcia é a mais antiga cujas técnicas de cantaria existem registros, desde 3000 a.C. Associando a disponibilidade de materiais lapidares e o desejo de construir para a eternidade, os egípcios foram mestres na arte da cantaria, com obras monumentais como os túmulos do Império Antigo, a Esfinge e as Pirâmides.
As civilizações posteriores como os gregos, etruscos e romanos fizeram uso dessas técnicas e, principalmente a partir do século VI a.C, com o início das conquistas e expansão do Império Romano, iniciou-se a organização e regularização do ofício de mestre canteiro.
A abundância de rochas ornamentais relativamente fáceis de se talhar, como o tufo vulcânico, calcário e arenito, permitiu uma rápida difusão das técnicas por toda a Europa e passou a expressar as qualidades artísticas de cada povo. Do norte da África até a Inglaterra, por onde passou o exército romano, encontram-se ruínas e edificações que até hoje permanecem, revelando a sofisticação técnica já alcançada na época.
Foi neste período que surgiu, em função da atividade bélica e do expansionismo, a primeira associação de construtores, acompanhando as legiões romanas para a reconstrução do que era destruído. Dos obreiros, regulamentados e organizados pela associação, a maior parte era de canteiros - artesãos que executam a cantaria.
Com a queda do Império em 476 d.C., embora um pequeno grupo tenha persistido em Constantinopla, centro do Império Romano do Oriente, a associação entrou em decadência, deixando essa arte “perdida”, sem uma organização que desse continuidade na transmissão das técnicas.Sobrevieram, então, as invasões bárbaras, e os segredos dessa arte acabaram restritos às associações monásticas, graças aos clérigos que davam refúgio, em seus conventos, aos artistas e arquitetos. Por volta do século X, pela necessidade de expansão, os frades começaram então a difundir a arte novamente, com a instituição das confrarias laicas.
Foi somente no século XII que surgiu novamente uma organização laica de canteiros, instituída por operários alemães - os Steinmetzen - que trabalharam na construção da catedral de Estrasburgo e alcançaram grande notoriedade1. Desde então, com o fundamental auxílio das corporações de ofício, a cantaria voltou a ser difundida em toda a Europa e trazida depois para o Novo Mundo, fazendo-se presente, até hoje, na arquitetur
a de vários países. 
A Cantaria (nome da profissão) dizem ser a arte de fabricar um canto vivo. Ou também o canto das pedras (som da ferramenta quando bate na pedra) quando são trabalhadas na pedreira,
Esculpir ou trabalhar as pedras é, certamente, a mais antiga atividade de engenho do ser humano, e a utilização da rocha como elemento construtivo tem sua origem numa mudança social na pré-história. Provavelmente, quando o homem deixa de ser nômade, abandonando as cavernas e dando origem a uma organização social definida e com abrigos mais sólidos.
A técnica de cantaria consiste em lavrar a rocha em formas geométricas ou figurativas para aplicação em construções, com finalidade ornamental e/ou estrutural. As construções mais antigas, com as limitações técnicas e ferramentas escassas, eram caracterizadas por estruturas irregulares em pedras soltas e de tamanhos desiguais, compondo uma arquitetura bastante rudimentar.
A civilização egípcia é a mais antiga cujas técnicas de cantaria existem registros, desde 3000 a.C. Associando a disponibilidade de materiais lapidares e o desejo de construir para a eternidade, os egípcios foram mestres na arte da cantaria, com obras monumentais como os túmulos do Império Antigo, a Esfinge e as Pirâmides.
As civilizações posteriores como os gregos, etruscos e romanos fizeram uso dessas técnicas e, principalmente a partir do século VI a.C, com o início das conquistas e expansão do Império Romano, iniciou-se a organização e regularização do ofício de mestre canteiro.
A abundância de rochas ornamentais relativamente fáceis de se talhar, como o tufo vulcânico, calcário e arenito, permitiu uma rápida difusão das técnicas por toda a Europa e passou a expressar as qualidades artísticas de cada povo. Do norte da África até a Inglaterra, por onde passou o exército romano, encontram-se ruínas e edificações que até hoje permanecem, revelando a sofisticação técnica já alcançada na época.
Foi neste período que surgiu, em função da atividade bélica e do expansionismo, a primeira associação de construtores, acompanhando as legiões romanas para a reconstrução do que era destruído. Dos obreiros, regulamentados e organizados pela associação, a maior parte era de canteiros - artesãos que executam a cantaria.
Com a queda do Império em 476 d.C., embora um pequeno grupo tenha persistido em Constantinopla, centro do Império Romano do Oriente, a associação entrou em decadência, deixando essa arte “perdida”, sem uma organização que desse continuidade na transmissão das técnicas.Sobrevieram, então, as invasões bárbaras, e os segredos dessa arte acabaram restritos às associações monásticas, graças aos clérigos que davam refúgio, em seus conventos, aos artistas e arquitetos. Por volta do século X, pela necessidade de expansão, os frades começaram então a difundir a arte novamente, com a instituição das confrarias laicas.
Foi somente no século XII que surgiu novamente uma organização laica de canteiros, instituída por operários alemães - os Steinmetzen - que trabalharam na construção da catedral de Estrasburgo e alcançaram grande notoriedade1. Desde então, com o fundamental auxílio das corporações de ofício, a cantaria voltou a ser difundida em toda a Europa e trazida depois para o Novo Mundo, fazendo-se presente, até hoje, na arquitetur
a de vários países. 
quarta-feira, 18 de março de 2009
Artes Abstrata
Arte AbstrataO que é arte abstrata, estilo, origem, artistas, arte abstrata no Brasil
Sobre o branco II - obra abstrata de Kandinsky (1923)(Musée National d´Art Moderne, Centre George Pompidou, Paris)
Introdução
Arte abstrata ou abstracionismo é um estilo artístico moderno em que os objetos ou pessoas são representados, em de pinturas ou esculturas, através de formas irreconhecíveis. O formato tradicional (paisagens e realismo) é deixado de lado na arte abstrata.
Origem
A arte abstrata surgiu no começo do século XX, na Europa, no contexto do movimento de Arte Moderna. O precursor da arte abstrata foi o artista russo Kandinsky. Com suas pinceladas rápidas de cores fortes, transmitindo um sentimento violento, Kandinsky marcou seu estilo abstracionista.
Reações contrárias
Quando a arte abstrata surgiu no começo do século XX, provocou muita polêmica e indignação. A elite européia ficou chocada com aqueles formatos considerados “estranhos” e de mau gosto. A arte abstrata quebrou com o tradicionalismo, que buscava sempre a representação realista da vida e das coisas, tentando imitar com perfeição a natureza.
Estilo
Na arte abstrata o artista trabalha muito com conceitos, intuições e sentimentos, provocando nas pessoas, que visualizam a obra, uma série de interpretações. Portanto, na arte abstrata, uma mesma obra de arte pode ser vista, sentida e interpretada de várias formas.
Arte Abstrata no Brasil
No Brasil, a arte abstrata ganhou força a partir da I Bienal de São Paulo (1951). Entre os artistas brasileiros de arte abstrata, podemos destacar: Antônio Bandeira, Ivan Serpa, Iberê Camargo, Manabu Mabe, Valdemar Cordeiro, Lígia Clarck e Hélio Oiticica. Estes dois últimos fizeram parte do neoconcretismo.
Sobre o branco II - obra abstrata de Kandinsky (1923)(Musée National d´Art Moderne, Centre George Pompidou, Paris)
Introdução
Arte abstrata ou abstracionismo é um estilo artístico moderno em que os objetos ou pessoas são representados, em de pinturas ou esculturas, através de formas irreconhecíveis. O formato tradicional (paisagens e realismo) é deixado de lado na arte abstrata.
Origem
A arte abstrata surgiu no começo do século XX, na Europa, no contexto do movimento de Arte Moderna. O precursor da arte abstrata foi o artista russo Kandinsky. Com suas pinceladas rápidas de cores fortes, transmitindo um sentimento violento, Kandinsky marcou seu estilo abstracionista.
Reações contrárias
Quando a arte abstrata surgiu no começo do século XX, provocou muita polêmica e indignação. A elite européia ficou chocada com aqueles formatos considerados “estranhos” e de mau gosto. A arte abstrata quebrou com o tradicionalismo, que buscava sempre a representação realista da vida e das coisas, tentando imitar com perfeição a natureza.
Estilo
Na arte abstrata o artista trabalha muito com conceitos, intuições e sentimentos, provocando nas pessoas, que visualizam a obra, uma série de interpretações. Portanto, na arte abstrata, uma mesma obra de arte pode ser vista, sentida e interpretada de várias formas.
Arte Abstrata no Brasil
No Brasil, a arte abstrata ganhou força a partir da I Bienal de São Paulo (1951). Entre os artistas brasileiros de arte abstrata, podemos destacar: Antônio Bandeira, Ivan Serpa, Iberê Camargo, Manabu Mabe, Valdemar Cordeiro, Lígia Clarck e Hélio Oiticica. Estes dois últimos fizeram parte do neoconcretismo.
HIstória das Artes plásticas
Artes Plásticas
História das Artes Plásticas, Fases Artísticas, Arte Pré-Histórica, Arte Egípcia, Arte Grega, Arte Romana, Arte Bizantina, Arte Medieval, Arte Renascentista, Barroco, Romantismo, Realismo, Expressionismo, arte abstrata.
Pintura rupestre: origem das artes plásticas
Arte na Pré-História As primeiras obras de arte datam do período Paleolítico. Entre as obras mais antigas já encontradas estão pequenas estátuas humanas como, por exemplo, a Vênus de Willendorf (aproximadamente 25000 a.C.). Os mais conhecidos conjuntos de pinturas em cavernas ( arte rupestre ) estão em Altamira, na Espanha e datam de 30000 a.C. a 12000 a.C.; e em Lascaux, na França de 15000 a.C. a 10000 a.C. , onde se encontram pinturas rupestres de animais pré-históricos como: cavalos, bisões, rinocerontes. Estas pinturas indicam rituais pré-históricos ligados à caça. As imagens demonstram um naturalismo e evoluem da monocromia à policromia entre os anos de 15000 a.C. a 9000 a.C.
Arte MesopotâmicaNa região entre os rios Tigre e Eufrates desenvolveu-se a civilização mesopotâmica. Nesta região, sumérios, babilônios, assírios, caldeus e outros povos desenvolveram uma arte que demonstra a religiosidade e o poder dos governantes. São touros alados, estatuetas de olhos circulares, relevos em paredes representando guerras e conquistas militares e animais e pictogramas representando fatos da realidade daqueles povos.
Arte do Egito No Antigo Egito as obras de arte possuíam um possui forte caráter religioso e funerário.Essas características podem ser explicadas em função da crença que os egípcios tinha na vida após a morte. Há representações artísticas de deuses, faraós e animais explicadas por textos em escrita hieroglífica. As pinturas eram feitas nas paredes das pirâmides ou em papiros. Representavam o cotidiano da nobreza ou tratava de assuntos do cotidiano. Uma das características principais da arte egípcia é o desenho chapado, de perfil e sem perspectiva artística.
Arte na Grécia AntigaA cultura e a arte minóica desenvolveu-se na ilha grega de Creta. Nas pinturas dos murais as cores diversificadas mostram-se fortes e vivas. Desenhos de touros, imagens abstratas, símbolos marinhos e animais ilustram a cerâmica.O período clássico da arte grega é a época de maior expressão da arte grega. A natureza é retratada com equilíbrio e as formas aproximam-se da realidade. A perspectiva aparece de forma intensa nas pinturas gregas deste período. Nas esculturas de bronze e mármore, destacam-se a harmonia e a realidade. Os principais escultores são Mirón, Policleto, Fídias, Praxíteles. A arquitetura e a ornamentação de templos religiosos, como o Partenon, a acrópole de Atenas e o templo de Zeus na cidade de Olímpia mostram força e características expressivas.
No período helenístico, ocorre a fusão entre as artes grega e oriental. A arte grega assume aspectos da realidade, fruto do domínio persa. Nas esculturas verifica-se dramaticidade e as formas decorativas em excesso. Entre as obras mais representativas deste período estão: Vitória da Samotrácia , Vênus de Milo e o templo de Zeus, em na cidade de Pérgamo.
Arte Romana do Ocidente e do Oriente ( Arte Bizantina )Com forte influência dos etruscos, a arte romana antiga seguiu os modelos e elementos artísticos e culturais dos gregos e chega a "copiar" estátuas clássicas. É a época da construção de monumentos públicos em homenagem aos imperadores romanos. A pintura mural recorre ao efeito tridimensional. Os afrescos da cidade de Pompéia (soterrada pelo vulcão Vesúvio em I a.C.) são representativos deste período.No Império Romano do Oriente ( Império Bizantino ) com capital em Constantinopla (antiga Bizâncio), aparece a arte bizantina, sob forte influência da Grécia . Podemos destacar as pinturas murais, os manuscritos, os ícones religiosos e os mosaicos de cores fortes e brilhantes, carregados de profundo caráter religioso.
Arte Renascentista: O Renascimento Cultural (séculos XV e XVI)Os elementos artísticos da Antiguidade clássica voltam a servir de referência cultural e artística. O humanismo coloca o homem como centro do universo ( antropocentrismo ). São características desta época : uso da técnica de perspectiva, uso de conhecimentos científicos e matemáticos para reproduzir a natureza com fidelidade. Na pintura, novas técnicas passam a ser utilizadas : uso da tinta a óleo, por exemplo, buscava aumentar a ilusão de realidade. A escultura renascentista é marcada pela expressividade e pelo naturalismo. A xilogravura passa a ser muito utilizada nesta época. Entre as pinturas destacam-se: O Casal Arnolfini, de Jan van Eyck; A Alegoria da Primavera, de Sandro Boticcelli; A Virgem dos Rochedos, Monalisa e A Última Ceia de Leonardo da Vinci; A Escola de Atenas, de Rafael Sanzio; o teto da Capela Sistina e a escultura Davi de Michelangelo Buonarotti.
Maneirismo (século XVI)Ao romper com as referências clássicas de idealização da beleza, o maneirismo diferencia-se por suas imagens distorcidas e alongadas. A natureza é representada de forma distorcida e realista, sendo que as figuras bizarras aparecem com freqüência. Obras mais importantes do maneirismo: O Juízo Final, de Michelangelo; A Crucificação, de Tintoretto; e O Enterro do Conde de Orgaz, de El Greco.
Barroco: arte barroca (1600 a 1750)A arte barroca destaca a cor e não o formato do desenho. As técnicas utilizadas dão um sentido de movimento ao desenho. Os efeitos de luz e sombra são utilizados constantemente como um recurso para dar vida e realidade à obra. Os temas que mais aparecem são: a paisagem, a natureza-morta e cenas da vida cotidiana. Obras barrocas mais conhecidas: A Ceia em Emaús, de Caravaggio; A Descida da Cruz, de Peter Paul Rubens; A Ronda Noturna, de Rembrandt; O Êxtase de Santa Teresa, de Gian Lorenzo Bernini; As Meninas, de Diego Velásquez; e Vista de Delft, de Jan Vermeer.
Rococó (1730 a 1800)O estilo rococó é marcado por pinturas com tons claros, com linhas curvas e arabescos. O estilo é bem decorativo e a sensualidade aparece em destaque. Os afrescos ganham importância e são utilizados na decoração de ambientes interiores.Artistas mais importantes do rococó: Jean-Antoine Watteau, Giovanni Battista Tiepolo, François Boucher e Jean-Honoré Fragonard.
Neoclassicismo (1750 a 1820)Novamente os elementos e valores da arte clássica ( grega e romana ) são resgatadas.. Há uma incidência maior do desenho e da linha sobre a cor. O heroísmo e o civismo são temas muito explorados neste período.Principais obras: Perseu com a Cabeça da Medusa, de Antonio Canova; O Parnaso, de Anton Raphael Mengs; O Juramento dos Horácios e A Morte de Sócrates, de Jacques-Louis David; e A Banhista de Valpinçon, de Jean-Auguste-Dominique Ingres.
Romantismo nas artes plásticas (De 1790 a 1850)Subjetividade e introspecção, sentimentos e sensações são características deste período. A literatura romântica, os elementos da natureza e o passado são retratados de forma intensa no romantismo.São representantes desta época o artista Francisco de Goya y Lucientes. Algumas de suas principais pinturas são: A Família de Carlos IV, O Colosso e Os Fuzilamentos do Três de Maio de 1808. Outras obras românticas : A Balsa da Medusa, de Théodore Géricault; A Carroça de Feno, de John Constable; A Morte de Sardanapalo, de Eugène Delacroix; e O Combatente Téméraire, de Joseph William Turner.
Realismo (De 1848 a 1875)O realismo destaca a realidade física através da objetividade científica e crua. Estas obras são inspiradas pela vida cotidiana e pela paisagem natural. Aparecem fortes críticas sociais e elementos do erotismo, provocando criticas dos setores conservadores da sociedade européia do século XIX. Principais pinturas: Enterro em Ornans, de Gustave Courbet; Vagão de Terceira Classe, de Honoré Daumier; e Almoço na Relva, de Édouard Manet.
Impressionismo (De 1880 a 1900)Através da luz e da cor os artistas do impressionismo buscam atingir a realidade. As obras são feitas ao ar livre para aproveitar a luz natural. Obras mais conhecidas: Impressão, Nascer do Sol, de Claude Monet, A Aula de Dança, de Edgard Degas; e O Almoço dos Remadores, de Auguste Renoir.
Pós-impressionismoÉ o período marcado pelas experimentações individuais. Os artistas buscam a realidade e imitam a natureza, utilizando recursos de luz e cor. O cromatismo é muito utilizado.As cores mais intensas são exploradas por Vincent Van Gogh com pinceladas fortes e explosivas, como em Noite Estrelada. Henri de Toulouse-Lautrec usa a técnica da litogravura.
Expressionismo Artistas plásticos de diferentes períodos são considerados precursores do expressionismo, entre eles Goya, Van Gogh, Gauguin e James Ensor. O expressionismo pode ser considerado como uma postura assumida em diversas formas de manifestação artística durante o século XX. Vários artistas desta trabalham nessa linha, sem ligar-se a movimentos ou a grupos. Podemos citar alguns: Edvard Munch, Emil Nolde, Amedeo Modigliani, Oskar Kokoschka, Egon Schiele, Chaim Soutine, Alberto Giacometti e Francis Bacon.
Cubismo ( De 1908 a 1915 )Este estilo rompeu com os elementos artísticos tradicionais ao apresentar diversos pontos de vista em uma mesma obra de arte. As formas geométricas são utilizadas muitas vezes para representar figuras humanas. Recortes de jornais, revistas e fotos são recursos utilizados neste período. São obras representativas desta época: Les Demoiselles d'Avignon, de Pablo Picasso, e Casas em L'Estaque, de Georges Braque.
Dadaísmo (Décadas de 1910 a 1920)Revolucionário, anárquico e anticapitalista, o dadaísmo, prega o absurdo, o sarcasmo, a sátira crítica e o uso de diversas linguagens, como pintura, poesia, escultura, fotografia e teatro. Destacam-se os artísticas: Hugo Ball, Hans Arp, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Max Ernst, Kurt Schwitters, George Grosz e Man Ray.
Arte Surrealista (Década de 1920)Os artistas exploram o inconsciente e as imagens que não são controladas pela razão. O surrealismo usa associações irreais, bizarras e provocativas. O rompimento com as noções tradicionais da perspectiva e da proporcionalidade resulta em imagens estranhas e fora da realidade.Obras: Auto-Retrato com Sete Dedos, de Marc Chagall; O Carnaval do Arlequim, de Joan Miró; A Persistência da Memória, de Salvador Dalí; A Traição das Imagens, de René Magritte; e Uma Semana de Bondade, de Max Ernst, são algumas das obras mais representativas.
Pop Art (Década de 1950)As histórias em quadrinhos e a mídia visual e impressa são os elementos de referência da pop art. Humor e crítica ao consumismo são constantes nas obras de pop art. Artistas mais conhecidos: Richard Hamilton, Allen Jones, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Tom Wesselman, Jim Dine, David Hockney e Claes Oldenburg.
Arte Conceitual (Década de 1960)Textos, imagens e objetos são as referências artísticas deste tipo de arte. A obra deve ser valorizada por si só. Um dos meios preferidos dos artistas conceituais é a instalação, ou seja, um espaço de interação entre a obra e o espectador. Até mesmo a televisão e o vídeo são usados nas instalações. Destacam-se os seguintes artistas: Joseph Beuys, Joseph Kosuth, Daniel Buren, Sol Le-Witt e Marcel Broodthaers, Nam June Paik, Vito Acconci, Bill Viola, Bruce Naumann, Gary Hill, Bruce Yonemoto e William Wegman.
História das Artes Plásticas, Fases Artísticas, Arte Pré-Histórica, Arte Egípcia, Arte Grega, Arte Romana, Arte Bizantina, Arte Medieval, Arte Renascentista, Barroco, Romantismo, Realismo, Expressionismo, arte abstrata.
Pintura rupestre: origem das artes plásticas
Arte na Pré-História As primeiras obras de arte datam do período Paleolítico. Entre as obras mais antigas já encontradas estão pequenas estátuas humanas como, por exemplo, a Vênus de Willendorf (aproximadamente 25000 a.C.). Os mais conhecidos conjuntos de pinturas em cavernas ( arte rupestre ) estão em Altamira, na Espanha e datam de 30000 a.C. a 12000 a.C.; e em Lascaux, na França de 15000 a.C. a 10000 a.C. , onde se encontram pinturas rupestres de animais pré-históricos como: cavalos, bisões, rinocerontes. Estas pinturas indicam rituais pré-históricos ligados à caça. As imagens demonstram um naturalismo e evoluem da monocromia à policromia entre os anos de 15000 a.C. a 9000 a.C.
Arte MesopotâmicaNa região entre os rios Tigre e Eufrates desenvolveu-se a civilização mesopotâmica. Nesta região, sumérios, babilônios, assírios, caldeus e outros povos desenvolveram uma arte que demonstra a religiosidade e o poder dos governantes. São touros alados, estatuetas de olhos circulares, relevos em paredes representando guerras e conquistas militares e animais e pictogramas representando fatos da realidade daqueles povos.
Arte do Egito No Antigo Egito as obras de arte possuíam um possui forte caráter religioso e funerário.Essas características podem ser explicadas em função da crença que os egípcios tinha na vida após a morte. Há representações artísticas de deuses, faraós e animais explicadas por textos em escrita hieroglífica. As pinturas eram feitas nas paredes das pirâmides ou em papiros. Representavam o cotidiano da nobreza ou tratava de assuntos do cotidiano. Uma das características principais da arte egípcia é o desenho chapado, de perfil e sem perspectiva artística.
Arte na Grécia AntigaA cultura e a arte minóica desenvolveu-se na ilha grega de Creta. Nas pinturas dos murais as cores diversificadas mostram-se fortes e vivas. Desenhos de touros, imagens abstratas, símbolos marinhos e animais ilustram a cerâmica.O período clássico da arte grega é a época de maior expressão da arte grega. A natureza é retratada com equilíbrio e as formas aproximam-se da realidade. A perspectiva aparece de forma intensa nas pinturas gregas deste período. Nas esculturas de bronze e mármore, destacam-se a harmonia e a realidade. Os principais escultores são Mirón, Policleto, Fídias, Praxíteles. A arquitetura e a ornamentação de templos religiosos, como o Partenon, a acrópole de Atenas e o templo de Zeus na cidade de Olímpia mostram força e características expressivas.
No período helenístico, ocorre a fusão entre as artes grega e oriental. A arte grega assume aspectos da realidade, fruto do domínio persa. Nas esculturas verifica-se dramaticidade e as formas decorativas em excesso. Entre as obras mais representativas deste período estão: Vitória da Samotrácia , Vênus de Milo e o templo de Zeus, em na cidade de Pérgamo.
Arte Romana do Ocidente e do Oriente ( Arte Bizantina )Com forte influência dos etruscos, a arte romana antiga seguiu os modelos e elementos artísticos e culturais dos gregos e chega a "copiar" estátuas clássicas. É a época da construção de monumentos públicos em homenagem aos imperadores romanos. A pintura mural recorre ao efeito tridimensional. Os afrescos da cidade de Pompéia (soterrada pelo vulcão Vesúvio em I a.C.) são representativos deste período.No Império Romano do Oriente ( Império Bizantino ) com capital em Constantinopla (antiga Bizâncio), aparece a arte bizantina, sob forte influência da Grécia . Podemos destacar as pinturas murais, os manuscritos, os ícones religiosos e os mosaicos de cores fortes e brilhantes, carregados de profundo caráter religioso.
Arte Renascentista: O Renascimento Cultural (séculos XV e XVI)Os elementos artísticos da Antiguidade clássica voltam a servir de referência cultural e artística. O humanismo coloca o homem como centro do universo ( antropocentrismo ). São características desta época : uso da técnica de perspectiva, uso de conhecimentos científicos e matemáticos para reproduzir a natureza com fidelidade. Na pintura, novas técnicas passam a ser utilizadas : uso da tinta a óleo, por exemplo, buscava aumentar a ilusão de realidade. A escultura renascentista é marcada pela expressividade e pelo naturalismo. A xilogravura passa a ser muito utilizada nesta época. Entre as pinturas destacam-se: O Casal Arnolfini, de Jan van Eyck; A Alegoria da Primavera, de Sandro Boticcelli; A Virgem dos Rochedos, Monalisa e A Última Ceia de Leonardo da Vinci; A Escola de Atenas, de Rafael Sanzio; o teto da Capela Sistina e a escultura Davi de Michelangelo Buonarotti.
Maneirismo (século XVI)Ao romper com as referências clássicas de idealização da beleza, o maneirismo diferencia-se por suas imagens distorcidas e alongadas. A natureza é representada de forma distorcida e realista, sendo que as figuras bizarras aparecem com freqüência. Obras mais importantes do maneirismo: O Juízo Final, de Michelangelo; A Crucificação, de Tintoretto; e O Enterro do Conde de Orgaz, de El Greco.
Barroco: arte barroca (1600 a 1750)A arte barroca destaca a cor e não o formato do desenho. As técnicas utilizadas dão um sentido de movimento ao desenho. Os efeitos de luz e sombra são utilizados constantemente como um recurso para dar vida e realidade à obra. Os temas que mais aparecem são: a paisagem, a natureza-morta e cenas da vida cotidiana. Obras barrocas mais conhecidas: A Ceia em Emaús, de Caravaggio; A Descida da Cruz, de Peter Paul Rubens; A Ronda Noturna, de Rembrandt; O Êxtase de Santa Teresa, de Gian Lorenzo Bernini; As Meninas, de Diego Velásquez; e Vista de Delft, de Jan Vermeer.
Rococó (1730 a 1800)O estilo rococó é marcado por pinturas com tons claros, com linhas curvas e arabescos. O estilo é bem decorativo e a sensualidade aparece em destaque. Os afrescos ganham importância e são utilizados na decoração de ambientes interiores.Artistas mais importantes do rococó: Jean-Antoine Watteau, Giovanni Battista Tiepolo, François Boucher e Jean-Honoré Fragonard.
Neoclassicismo (1750 a 1820)Novamente os elementos e valores da arte clássica ( grega e romana ) são resgatadas.. Há uma incidência maior do desenho e da linha sobre a cor. O heroísmo e o civismo são temas muito explorados neste período.Principais obras: Perseu com a Cabeça da Medusa, de Antonio Canova; O Parnaso, de Anton Raphael Mengs; O Juramento dos Horácios e A Morte de Sócrates, de Jacques-Louis David; e A Banhista de Valpinçon, de Jean-Auguste-Dominique Ingres.
Romantismo nas artes plásticas (De 1790 a 1850)Subjetividade e introspecção, sentimentos e sensações são características deste período. A literatura romântica, os elementos da natureza e o passado são retratados de forma intensa no romantismo.São representantes desta época o artista Francisco de Goya y Lucientes. Algumas de suas principais pinturas são: A Família de Carlos IV, O Colosso e Os Fuzilamentos do Três de Maio de 1808. Outras obras românticas : A Balsa da Medusa, de Théodore Géricault; A Carroça de Feno, de John Constable; A Morte de Sardanapalo, de Eugène Delacroix; e O Combatente Téméraire, de Joseph William Turner.
Realismo (De 1848 a 1875)O realismo destaca a realidade física através da objetividade científica e crua. Estas obras são inspiradas pela vida cotidiana e pela paisagem natural. Aparecem fortes críticas sociais e elementos do erotismo, provocando criticas dos setores conservadores da sociedade européia do século XIX. Principais pinturas: Enterro em Ornans, de Gustave Courbet; Vagão de Terceira Classe, de Honoré Daumier; e Almoço na Relva, de Édouard Manet.
Impressionismo (De 1880 a 1900)Através da luz e da cor os artistas do impressionismo buscam atingir a realidade. As obras são feitas ao ar livre para aproveitar a luz natural. Obras mais conhecidas: Impressão, Nascer do Sol, de Claude Monet, A Aula de Dança, de Edgard Degas; e O Almoço dos Remadores, de Auguste Renoir.
Pós-impressionismoÉ o período marcado pelas experimentações individuais. Os artistas buscam a realidade e imitam a natureza, utilizando recursos de luz e cor. O cromatismo é muito utilizado.As cores mais intensas são exploradas por Vincent Van Gogh com pinceladas fortes e explosivas, como em Noite Estrelada. Henri de Toulouse-Lautrec usa a técnica da litogravura.
Expressionismo Artistas plásticos de diferentes períodos são considerados precursores do expressionismo, entre eles Goya, Van Gogh, Gauguin e James Ensor. O expressionismo pode ser considerado como uma postura assumida em diversas formas de manifestação artística durante o século XX. Vários artistas desta trabalham nessa linha, sem ligar-se a movimentos ou a grupos. Podemos citar alguns: Edvard Munch, Emil Nolde, Amedeo Modigliani, Oskar Kokoschka, Egon Schiele, Chaim Soutine, Alberto Giacometti e Francis Bacon.
Cubismo ( De 1908 a 1915 )Este estilo rompeu com os elementos artísticos tradicionais ao apresentar diversos pontos de vista em uma mesma obra de arte. As formas geométricas são utilizadas muitas vezes para representar figuras humanas. Recortes de jornais, revistas e fotos são recursos utilizados neste período. São obras representativas desta época: Les Demoiselles d'Avignon, de Pablo Picasso, e Casas em L'Estaque, de Georges Braque.
Dadaísmo (Décadas de 1910 a 1920)Revolucionário, anárquico e anticapitalista, o dadaísmo, prega o absurdo, o sarcasmo, a sátira crítica e o uso de diversas linguagens, como pintura, poesia, escultura, fotografia e teatro. Destacam-se os artísticas: Hugo Ball, Hans Arp, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Max Ernst, Kurt Schwitters, George Grosz e Man Ray.
Arte Surrealista (Década de 1920)Os artistas exploram o inconsciente e as imagens que não são controladas pela razão. O surrealismo usa associações irreais, bizarras e provocativas. O rompimento com as noções tradicionais da perspectiva e da proporcionalidade resulta em imagens estranhas e fora da realidade.Obras: Auto-Retrato com Sete Dedos, de Marc Chagall; O Carnaval do Arlequim, de Joan Miró; A Persistência da Memória, de Salvador Dalí; A Traição das Imagens, de René Magritte; e Uma Semana de Bondade, de Max Ernst, são algumas das obras mais representativas.
Pop Art (Década de 1950)As histórias em quadrinhos e a mídia visual e impressa são os elementos de referência da pop art. Humor e crítica ao consumismo são constantes nas obras de pop art. Artistas mais conhecidos: Richard Hamilton, Allen Jones, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Tom Wesselman, Jim Dine, David Hockney e Claes Oldenburg.
Arte Conceitual (Década de 1960)Textos, imagens e objetos são as referências artísticas deste tipo de arte. A obra deve ser valorizada por si só. Um dos meios preferidos dos artistas conceituais é a instalação, ou seja, um espaço de interação entre a obra e o espectador. Até mesmo a televisão e o vídeo são usados nas instalações. Destacam-se os seguintes artistas: Joseph Beuys, Joseph Kosuth, Daniel Buren, Sol Le-Witt e Marcel Broodthaers, Nam June Paik, Vito Acconci, Bill Viola, Bruce Naumann, Gary Hill, Bruce Yonemoto e William Wegman.
Aleijadinho biografia
Aleijadinho Escultor, entalhador e arquiteto mineiro da arte barroca, considerado o maior escultor do período barroco.
Indrodução Aleijadinho (Antônio Francisco Lisboa) nasceu em Vila Rica no ano de 1730 (não há registros oficiais sobre esta data). Era filho de uma escrava com um mestre-de-obras português. Iniciou sua vida artística ainda na infância, observando o trabalho de seu pai que também era entalhador.
Profeta Daniel (pedra sabão), Santuário de Bom Jesus de Matosinhos (Congonhas-MG)
Por volta de 40 anos de idade, começa a desenvolver uma doença degenerativa nas articulações. Não se sabe exatamente qual foi a doença, mas provavelmente pode ter sido hanseníase ou alguma doença reumática. Aos poucos, foi perdendo os movimentos dos pés e mãos. Pedia a um ajudante para amarrar as ferramentas em seus punhos para poder esculpir e entalhar. Demonstra um esforço fora do comum para continuar com sua arte. Mesmo com todas as limitações, continua trabalhando na construção de igrejas e altares nas cidades de Minas Gerais.
Na fase anterior a doença, suas obras são marcadas pelo equilíbrio, harmonia e serenidade. São desta época a Igreja São Francisco de Assis, Igreja Nossa Senhora das Mercês e Perdões (as duas na cidade de Ouro Preto).
Já com a doença, Aleijadinho começa a dar um tom mais expressionista às suas obras de arte. É deste período o conjunto de esculturas Os Passos da Paixão e Os Doze Profetas, da Igreja de Bom Jesus de Matosinhos, na cidade de Congonhas do Campo. O trabalho artístico formado por 66 imagens religiosas esculpidas em madeira e 12 feitas de pedra-sabão, é considerado um dos mais importantes e representativos do barroco brasileiro.
A obra de Aleijadinho mistura diversos estilos do barroco. Em suas esculturas estão presentes características do rococó e dos estilos clássico e gótico. Utilizou como material de suas obras de arte, principalmente a pedra-sabão, matéria-prima brasileira. A madeira também foi utilizada pelo artista.
Morreu pobre, doente e abandonado na cidade de Ouro Preto no ano de 1814 (ano provável). O conjunto de sua obra foi reconhecido como importante muitos anos depois. Atualmente, Aleijadinho é considerado o mais importante artista plástico do barroco mineiro.
Carregamento da Cruz (escultura em madeira), Santuário de Bom Jesus de Matosinhos (Congonhas-MG)
Obra de Aleijadinho : representante do barroco brasileiro
Origens e Características do Barroco O barroco foi uma tendência artística que se desenvolveu primeiramente nas artes plásticas e depois se manifestou na literatura, no teatro e na música. O berço do barroco é a Itália do século XVII, porém se espalhou por outros países europeus como, por exemplo, a Holanda, a Bélgica, a França e a Espanha. O barroco permaneceu vivo no mundo das artes até o século XVIII. Na América Latina, o barroco entrou no século XVII, trazido por artistas que viajavam para a Europa, e permaneceu até o final do século XVIII.
O barroco se desenvolve no seguinte contexto histórico: após o processo de Reformas Religiosas, ocorrido no século XVI, a Igreja Católica havia perdido muito espaço e poder. Mesmo assim, os católicos continuavam influenciando muito o cenário político, econômico e religioso na Europa. A arte barroca surge neste contexto e expressa todo o contraste deste período: a espiritualidade e teocentrismo da Idade Média com o racionalismo e antropocentrismo do Renascimento.
Os artistas barrocos foram patrocinados pelos monarcas, burgueses e pelo clero. As obras de pintura e escultura deste período são rebuscadas, detalhistas e expressam as emoções da vida e do ser humano.A palavra barroco tem um significado que representa bem as características deste estilo. Significa " pérola irregular" ou "pérola deformada" e representa de forma pejorativa a idéia de irregularidade.O período final do barroco (século XVIII) é chamado de rococó e possui algumas peculiaridades, embora as principais características do barroco estão presentes nesta fase. No rococó existe a presença de curvas e muitos detalhes decorativos (conchas, flores, folhas, ramos). Os temas relacionados à mitologia grega e romana, além dos hábitos das cortes também aparecem com freqüência.
BARROCO EUROPEUAs obras dos artistas barrocos europeus valorizam as cores, as sombras e a luz, e representam os contrates. As imagens não são tão centralizadas quanto as renascentistas e aparecem de forma dinâmica, valorizando o movimento. Os temas principais são : mitologia, passagens da Bíblia e a história da humanidade. As cenas retratadas costumam ser sobre a vida da nobreza, o cotidiano da burguesia, naturezas-mortas entre outros. Muitos artistas barrocos dedicaram-se a decorar igrejas com esculturas e pinturas, utilizando a técnica da perspectiva.
As esculturas barrocas mostram faces humanas marcadas pelas emoções, principalmente o sofrimento. Os traços se contorcem, demonstrando um movimento exagerado. Predominam nas esculturas as curvas, os relevos e a utilização da cor dourada.
Podemos citar como principais artistas do barroco: o espanhol Velásquez, o italiano Caravaggio, os belgas Van Dyck e Frans Hals,
os holandeses Rembrandt Vermeer e o flamengo Rubens.
BARROCO NO BRASIL
O barroco brasileiro foi diretamente influenciado pelo barroco português, porém, com o tempo, foi assumindo características próprias. A grande produção artística barroca no Brasil ocorreu nas cidade auríferas de Minas Gerais, no chamado século do ouro (século XVIII). Estas cidades eram ricas e possuíam um intensa vida cultura e artística em pleno desenvolvimento.O principal representante do barroco mineiro foi o escultor e arquiteto Antônio Francisco de Lisboa também conhecido como Aleijadinho. Sua obras, de forte caráter religioso, eram feitas em madeira e pedra-sabão, os principais materiais usados pelos artistas barrocos do Brasil. Podemos citar algumas obras de Aleijadinho: Os Doze Profetas e Os Passos da Paixão, na Igreja de Bom Jesus de Matozinhos, em Congonhas do Campo (MG).Outros artistas importantes do barroco brasileiro foram: o pintor mineiro Manuel da Costa Ataíde e o escultor carioca Mestre Valentim. No estado da Bahia, o barroco destacou-se na decoração das igrejas em Salvador como, por exemplo, de São Francisco de Assis e a da Ordem Terceira de São Francisco.
Indrodução Aleijadinho (Antônio Francisco Lisboa) nasceu em Vila Rica no ano de 1730 (não há registros oficiais sobre esta data). Era filho de uma escrava com um mestre-de-obras português. Iniciou sua vida artística ainda na infância, observando o trabalho de seu pai que também era entalhador.
Profeta Daniel (pedra sabão), Santuário de Bom Jesus de Matosinhos (Congonhas-MG)
Por volta de 40 anos de idade, começa a desenvolver uma doença degenerativa nas articulações. Não se sabe exatamente qual foi a doença, mas provavelmente pode ter sido hanseníase ou alguma doença reumática. Aos poucos, foi perdendo os movimentos dos pés e mãos. Pedia a um ajudante para amarrar as ferramentas em seus punhos para poder esculpir e entalhar. Demonstra um esforço fora do comum para continuar com sua arte. Mesmo com todas as limitações, continua trabalhando na construção de igrejas e altares nas cidades de Minas Gerais.
Na fase anterior a doença, suas obras são marcadas pelo equilíbrio, harmonia e serenidade. São desta época a Igreja São Francisco de Assis, Igreja Nossa Senhora das Mercês e Perdões (as duas na cidade de Ouro Preto).
Já com a doença, Aleijadinho começa a dar um tom mais expressionista às suas obras de arte. É deste período o conjunto de esculturas Os Passos da Paixão e Os Doze Profetas, da Igreja de Bom Jesus de Matosinhos, na cidade de Congonhas do Campo. O trabalho artístico formado por 66 imagens religiosas esculpidas em madeira e 12 feitas de pedra-sabão, é considerado um dos mais importantes e representativos do barroco brasileiro.
A obra de Aleijadinho mistura diversos estilos do barroco. Em suas esculturas estão presentes características do rococó e dos estilos clássico e gótico. Utilizou como material de suas obras de arte, principalmente a pedra-sabão, matéria-prima brasileira. A madeira também foi utilizada pelo artista.
Morreu pobre, doente e abandonado na cidade de Ouro Preto no ano de 1814 (ano provável). O conjunto de sua obra foi reconhecido como importante muitos anos depois. Atualmente, Aleijadinho é considerado o mais importante artista plástico do barroco mineiro.
Carregamento da Cruz (escultura em madeira), Santuário de Bom Jesus de Matosinhos (Congonhas-MG)
Obra de Aleijadinho : representante do barroco brasileiro
Origens e Características do Barroco O barroco foi uma tendência artística que se desenvolveu primeiramente nas artes plásticas e depois se manifestou na literatura, no teatro e na música. O berço do barroco é a Itália do século XVII, porém se espalhou por outros países europeus como, por exemplo, a Holanda, a Bélgica, a França e a Espanha. O barroco permaneceu vivo no mundo das artes até o século XVIII. Na América Latina, o barroco entrou no século XVII, trazido por artistas que viajavam para a Europa, e permaneceu até o final do século XVIII.
O barroco se desenvolve no seguinte contexto histórico: após o processo de Reformas Religiosas, ocorrido no século XVI, a Igreja Católica havia perdido muito espaço e poder. Mesmo assim, os católicos continuavam influenciando muito o cenário político, econômico e religioso na Europa. A arte barroca surge neste contexto e expressa todo o contraste deste período: a espiritualidade e teocentrismo da Idade Média com o racionalismo e antropocentrismo do Renascimento.
Os artistas barrocos foram patrocinados pelos monarcas, burgueses e pelo clero. As obras de pintura e escultura deste período são rebuscadas, detalhistas e expressam as emoções da vida e do ser humano.A palavra barroco tem um significado que representa bem as características deste estilo. Significa " pérola irregular" ou "pérola deformada" e representa de forma pejorativa a idéia de irregularidade.O período final do barroco (século XVIII) é chamado de rococó e possui algumas peculiaridades, embora as principais características do barroco estão presentes nesta fase. No rococó existe a presença de curvas e muitos detalhes decorativos (conchas, flores, folhas, ramos). Os temas relacionados à mitologia grega e romana, além dos hábitos das cortes também aparecem com freqüência.
BARROCO EUROPEUAs obras dos artistas barrocos europeus valorizam as cores, as sombras e a luz, e representam os contrates. As imagens não são tão centralizadas quanto as renascentistas e aparecem de forma dinâmica, valorizando o movimento. Os temas principais são : mitologia, passagens da Bíblia e a história da humanidade. As cenas retratadas costumam ser sobre a vida da nobreza, o cotidiano da burguesia, naturezas-mortas entre outros. Muitos artistas barrocos dedicaram-se a decorar igrejas com esculturas e pinturas, utilizando a técnica da perspectiva.
As esculturas barrocas mostram faces humanas marcadas pelas emoções, principalmente o sofrimento. Os traços se contorcem, demonstrando um movimento exagerado. Predominam nas esculturas as curvas, os relevos e a utilização da cor dourada.
Podemos citar como principais artistas do barroco: o espanhol Velásquez, o italiano Caravaggio, os belgas Van Dyck e Frans Hals,
os holandeses Rembrandt Vermeer e o flamengo Rubens.BARROCO NO BRASIL
O barroco brasileiro foi diretamente influenciado pelo barroco português, porém, com o tempo, foi assumindo características próprias. A grande produção artística barroca no Brasil ocorreu nas cidade auríferas de Minas Gerais, no chamado século do ouro (século XVIII). Estas cidades eram ricas e possuíam um intensa vida cultura e artística em pleno desenvolvimento.O principal representante do barroco mineiro foi o escultor e arquiteto Antônio Francisco de Lisboa também conhecido como Aleijadinho. Sua obras, de forte caráter religioso, eram feitas em madeira e pedra-sabão, os principais materiais usados pelos artistas barrocos do Brasil. Podemos citar algumas obras de Aleijadinho: Os Doze Profetas e Os Passos da Paixão, na Igreja de Bom Jesus de Matozinhos, em Congonhas do Campo (MG).Outros artistas importantes do barroco brasileiro foram: o pintor mineiro Manuel da Costa Ataíde e o escultor carioca Mestre Valentim. No estado da Bahia, o barroco destacou-se na decoração das igrejas em Salvador como, por exemplo, de São Francisco de Assis e a da Ordem Terceira de São Francisco.
terça-feira, 17 de março de 2009
segunda-feira, 16 de março de 2009
A religião politeísta, os deuses, crenças, mitos, vida após a morte, cerimônias, rituais e oferendas
Religião do Egito Antigo: crença em vários deuses
Introdução A religião no Egito Antigo era marcada por várias crenças, mitos e simbolismos. A prática religiosa era muito valorizada na sociedade egípcia, sendo que os rituais e cerimônias ocorriam em diversas cidades. A religião egípcia teve grande influência em várias áreas da sociedade.
Características da religião egípcia
Os egípcios eram politeístas (acreditavam em vários deuses). De acordo com este povo, os deuses possuíam poderes específicos e atuavam na vida das pessoas. Havia também deuses que possuíam o corpo formado por parte humana e parte de animal sagrado. Anúbis, por exemplo, deus da morte, era representado com cabeça de chacal num corpo de ser humano.Os egípcios antigos faziam rituais e oferendas aos deuses. Era uma forma de conseguirem agradar aos deuses, conseguindo ajuda em suas vidas. No Egito Antigo existiam diversos templos, que eram construídos em homenagem aos deuses. Cada cidade possuía um deus protetor.Outra característica importante da religião egípcia era a crença na vida após a morte. De acordo com esta crença, o morto era julgado no Tribunal de Osíris. O coração era pesado e, de acordo com o que havia feito em vida, receberia um julgamento. Para os bons havia uma espécie de paraíso, para os negativos, Ammut devoraria o coração.
Veja também:
Deuses Egípcios
Múmias do Egito
Sociedade Egípcia
Faraós
Religião do Egito Antigo: crença em vários deuses
Introdução A religião no Egito Antigo era marcada por várias crenças, mitos e simbolismos. A prática religiosa era muito valorizada na sociedade egípcia, sendo que os rituais e cerimônias ocorriam em diversas cidades. A religião egípcia teve grande influência em várias áreas da sociedade.
Características da religião egípcia
Os egípcios eram politeístas (acreditavam em vários deuses). De acordo com este povo, os deuses possuíam poderes específicos e atuavam na vida das pessoas. Havia também deuses que possuíam o corpo formado por parte humana e parte de animal sagrado. Anúbis, por exemplo, deus da morte, era representado com cabeça de chacal num corpo de ser humano.Os egípcios antigos faziam rituais e oferendas aos deuses. Era uma forma de conseguirem agradar aos deuses, conseguindo ajuda em suas vidas. No Egito Antigo existiam diversos templos, que eram construídos em homenagem aos deuses. Cada cidade possuía um deus protetor.Outra característica importante da religião egípcia era a crença na vida após a morte. De acordo com esta crença, o morto era julgado no Tribunal de Osíris. O coração era pesado e, de acordo com o que havia feito em vida, receberia um julgamento. Para os bons havia uma espécie de paraíso, para os negativos, Ammut devoraria o coração.
Veja também:
Deuses Egípcios
Múmias do Egito
Sociedade Egípcia
Faraós
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